Zerfall des Geistes in der Kunst
Alles begann Ende des 19. Jahrhunderts. Das Publikum erkannte schließlich die Impressionisten und Postimpressionisten an. Zu jener Zeit war der Kunstmarkt ruhig, die besten Werke verteilten sich auf Museen und Privatsammlungen, und das 20. Jahrhundert brach an. Van Gogh hatte sich bereits erschossen, und Cézanne und Gauguin waren fast vollständig verkauft.
Es entstanden Gruppen von verletzten und hungrigen Künstlern, die sich nach Ruhm und Anerkennung sehnten. Der Slogan – KUNST MUSS NICHT ERSCHAFFEN, SONDERN ERFUNDEN WERDEN – wurde zum Lebensmotto und Symbol der neuen Malerei.
So entstand die „moderne“ Malerei, neue Richtungen und Strömungen. Die Nachfrage stieg, der Appetit ebenso, und plötzlich wollten alle mitmischen. Händler griffen die Idee auf, und ein künstlicher Hype entstand.
Viele denken: So eine Schmiererei kann ich auch machen, sogar besser. Aber nicht die Bilder machen den Künstler, der Künstler wird durch seinen PR gemacht. Auf dem Kunstmarkt entscheiden PR-Agenturen und Galerien – lasst uns einen Künstler auswählen und ihn zum Genie machen. Dieser hier ist ordentlich, kennt die Kunstgeschichte, hat ein paar Gedanken, ist schwer zu kontrollieren, könnte uns auch mal wegschicken – ungeeignet.
Aber dieser hier passt – trinkt, führt ein ungeordnetes Leben, braucht Geld und Anerkennung – passt. Oder dieser hier – macht Dinge, die vor ihm niemand gemacht hat... PASST AUCH. Und das neue Genie beginnt, Dividenden zu bringen.
Sie sagen, die Talente sind erschöpft? Sie sagen, das Ende der Malerei ist erreicht?
Natürlich nicht, sie waren, sind und werden immer da sein, in unterschiedlichem Ausmaß, aber sie sind da... Verloren gegangen ist nur die Profession, die Liebe zur Arbeit, jene Liebe zur Kunst, die Opfer zu bringen vermag. Immer mehr drängen neue Teilnehmer zum weltweiten Wettlauf um Anerkennung. Ein Künstler sagt: „Bald ist eine Ausstellung, ich möchte drei Bilder dafür malen...“ Ist ein Bild etwa eine Hose?! Eine Hose kann man bis zu einem bestimmten Termin nähen... aber es ist eben nur eine Hose.
Alphonse Allais. Leiter der Gesellschaft zur Täuschung der Augen.
Alphonse Allais lebte Ende des 19. Jahrhunderts in Frankreich und hatte neben seiner literarischen Tätigkeit noch viele andere Verpflichtungen. Insbesondere war Alphonse Allais seit 1878 Leiter der Gesellschaft zur Täuschung der Augen (frz. fumisme).
1882 zeigte er in der Galerie Vivienne auf der Ausstellung „Ungebundene Kunst“ erstmals sein berühmtes Gemälde – eine vollkommen schwarze und fast quadratische Leinwand mit dem Titel „Schlacht der Neger in einer Höhle bei Nacht“, gerahmt in einem vergoldeten Rahmen von seinem Trinkgefährten und Kollegen, dem humoristischen Schriftsteller Paul Bilhaud. Ein Jahr später (auf der zweiten Ausstellung „Ungebundene Künste“) stellte Allais ein weißes Blatt Bristol-Karton mit dem Titel „Anämische Jungfrauen gehen zur ersten Kommunion im Schneesturm“ aus. Ein weiteres Jahr später wurde Allais’ nächstes Bild als farbexplosiv wahrgenommen. Die rechteckige Landschaft „Tomatenernte am Ufer des Roten Meeres durch Kardinäle“ bestand aus einem leuchtend roten einfarbigen Gemälde ohne das geringste Zeichen einer Darstellung.
Ein hungriger Bauch hat keine Ohren, aber er hat einen ausgezeichneten Geruchssinn, pflegte Alphonse Allais zu sagen.
So wurde der Künstler Alphonse Allais dreißig Jahre vor den suprematistischen Offenbarungen von Kasimir Malewitsch zum Schöpfer der ersten abstrakten Gemälde. Das weiße Rechteck auf weißem Hintergrund und das schwarze Quadrat auf schwarzem Hintergrund können ebenfalls als genaue Vorwegnahmen des Konstruktivismus und Konzeptualismus betrachtet werden. Der einzige Unterschied zwischen Allais und seinen Nachfolgern bestand darin, dass er seine Werke als Witz präsentierte und nicht versuchte, sich als bedeutender Philosoph oder ernsthafter Pionier darzustellen. Dies führte dazu, dass sein Beitrag zur Kunstgeschichte nicht anerkannt wurde.
Malewitschs Schwarzes Quadrat ist ein banales Plagiat von Alphonse Allais, präsentiert und aufgebauscht als großes Werk.
Ein lyrischer Exkurs
Auf der Ausstellung zum 123. Geburtstag von Malewitsch in einer renommierten Moskauer Galerie hängte der Doktor der Biowissenschaften, Professor Saveljev (Fotograf, Mitglied des Künstlerverbandes Russlands), vier abstrakte Fotos auf. Die Presse schrieb, dass seine suprematistischen Kompositionen mit unglaublichen Farbflächen aktuell seien und die Kunstlinie des 21. Jahrhunderts fortsetzen. Es stellte sich heraus, dass der Professor sich über das Publikum lustig machte, indem er, wie er sagte, „Fotografien von histologischen Schnitten des Enddarms eines toten Abstraktionisten ausstellte, die reicher seien als all sein Schaffen zu Lebzeiten“.
Übungen um die Leere.
In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts endete eine gewaltige historische Epoche der Kunst. Wir wurden Zeugen einer Krise des Kunstsystems, und diese Krise könnte noch lange andauern. Nachdem sie fast das gesamte 20. Jahrhundert erfasst hat, wird sie wahrscheinlich auch das gesamte 21. Jahrhundert überschatten. Aber das ist schwer zu akzeptieren. Also begann es: Dadaismus, Surrealismus, „Lasst uns die Dinge der Welt in absurde Kombinationen bringen“ – und etwas begann, auf Heuschreckenbeinen zu hüpfen. Weiter und weiter... schon Konzeptualismus, und ein Hai schwamm in Formalin. Aber das ist alles nicht das Wahre, das sind Übungen um die Leere: Was kann man tun, um zu überraschen?
Heutzutage kann jeder Narr alles, was er will, zu einer Ausstellung bringen, sogar einen Haufen Mist und ihn neben das Gemälde eines großen Meisters legen – seht, wie mutig ich bin. Aber das ist keine moderne Kunst. Man kann eine Menge Tuben nehmen, die gesamte Farbe auf die Leinwand drücken und sagen, dass es ein geniales Werk „Ohne Titel Nr. 16“ ist, aber die Sache ist die, dass das Material in der Kunst ein gewisses Bild tragen muss, es darf nicht selbst „Kunst“ werden. Jedes Mal, wenn ich meine große Tischpalette reinige, schabe ich mein nächstes „geniales Werk“ ab.
Die Schaffung des Schönen ist vorbei – ist das nicht offensichtlich? Es entstand eine Anti-Kunst. Kunst hat sich in etwas anderes verwandelt. Und bald wird man für dieses Produkt einen Namen erfinden.
Zerfall des Geistes.
Wir sehen, wie das Prinzip der Ästhetik, des Geistes und des Ideals zerfällt, das heißt der Kunst als hohem Beispiel, dem man nachstreben sollte, im Bewusstsein all seiner menschlichen Unvollkommenheit. Doch im neuen Kunstverständnis ist der Geist nicht mehr gefragt. Denn Kunst ist immer ein Dialog mit der Welt.
Aber in der Welt gibt es jetzt und in absehbarer Zukunft nur noch die Realität wie eine Mauer, wie ein Haufen Ziegelsteine, die uns gezeigt werden und uns gesagt wird: Das ist Kunst. Oder es wird ein eingelegter Hai gezeigt, aber er ruft nur Ekel hervor, er kann kein anderes Gefühl auslösen, er trägt nichts Erhabenes in sich, das heißt kein Ideal. Was heute in Ausstellungen und Galerien gezeigt wird, wird verschwinden. Denn eingelegte Haie, Schafe, Müllberge und Farbkleckse sind keine Kunstformen. Es ist eine Geste, ein Statement, aber keine Kunst.
Das Festhalten von Motiven - das Zeitalter der Reproduktionen.
Es begann – und wird lange dauern – das Zeitalter der Reproduktionen, das Zeitalter des indirekten Kontakts mit dem Kunstwerk. Selbst Musik hören wir mit Kopfhörern, was nicht dasselbe ist wie sie live zu hören. Aber eine Reproduktion ist unvollständig, sie gibt nicht einmal die Größe wieder, geschweige denn vieles andere. Menschen, die eine Fernsehsendung über eine Ausstellung gesehen haben, sagen: „Warum sollten wir dorthin gehen, wir haben doch alles gesehen.“ Das ist traurig, denn jede Übertragung über die Medien lehrt uns absolut nicht, zu sehen. Im besten Fall ermöglicht sie es, das Motiv und das Thema festzuhalten.
Nach und nach werden die Menschen sich vom direkten Kontakt mit Gemälden entwöhnen. Die neuen Generationen werden sich immer mehr nur mit Kopien begnügen, ohne zu verstehen, dass es einen großen Unterschied zwischen einer Kopie und einem Original gibt. Dieser Unterschied hängt von allem ab: von der Größe, dem Material, der Malweise, von der Farbe, die nicht adäquat wiedergegeben wird. Pinselstriche, Lasuren, sogar die Verdunkelung, die im Laufe der Zeit bereits Teil des Bildes wird, und vieles mehr – diese Empfindungen sind im Zeitalter der Reproduktionen endgültig verloren gegangen.
Die Kraft, die der Künstler gibt.
Es ist bekannt, dass es eine gewisse Ausstrahlung jener Kraft gibt, die der Künstler bei der Arbeit an einem Gemälde manchmal über viele Jahre hinweg abgibt. Diese Sättigung wird nur beim direkten Kontakt übertragen. Dasselbe gilt für Musik. Musik in Konzertsälen zu hören und ihre Wiedergabe selbst auf dem neuesten Träger – das ist in seiner Wirkung nicht vergleichbar.
Damit die Inhalte der Kunst für die Menschen zugänglich sind, muss man sich die großen Gemälde anschauen – sie sind unerschöpflich. Ein Gemälde enthüllt Ihnen in jeder neuen Lebensphase neue Facetten.
Kreis, Striche, Mama und Haus.
Ich kann keine Veränderungen voraussehen, genauso wenig wie ich das Internet voraussehen konnte. Aber ich weiß, dass die Notwendigkeit der Kunst wieder an Bedeutung gewinnen wird – wir wissen nur noch nicht, in welcher Form. Warum hoffe ich darauf? Weil Menschen – Sie, ich, viele – weiterhin Landschaften malen, Gedichte schreiben, mögen sie auch noch so unbeholfen sein, aber dieses Bedürfnis besteht. Ein kleines Kind beginnt immer damit, die Mutter zu zeichnen – zuerst ein Kreis und Striche, dann „Mama“, dann zeichnet es ein Haus, weil es darin lebt.
Und solange wir zwei Hände, zwei Beine und Gedanken im Kopf haben, wird das Bedürfnis nach Kunst nicht verschwinden. Das kommt aus der menschlichen Natur seit den Höhlenzeiten, und so wird es immer sein, wenn wir nicht völlig entstellt werden.
Das gab es schon einmal, als alles scheinbar an einem Endpunkt angekommen war, doch dann tauchten plötzlich neue Menschen auf, und es geschah etwas.
Und solange wir keine neuen Leonardo, Manet, Gauguin, Picasso, Chagall, Matisse, Miró und Rauschenberg sehen, solange keine neuen Modigliani und Soutine durch Paris schlendern – es gibt keinen Grund zur Sorge. Die Menschheit hat so viel Großartiges geschaffen, dass es für uns alle reicht, unsere eigenen Gedanken mit den großen Namen aus Museen und Galerien zu bereichern.
Darauf sollten wir hoffen
- Anatoli Gostev
Betrachtung der Malerei
Künstlerische Inspiration
Jan van Eyck - Glossa
Besitz eines Gemäldes
